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Tutti i modi per Promuovere e Vendere la tua Musica

Avete appena creato il vostro capolavoro musicale? E adesso? Sapete come fare a spargere la vostra musica nel mondo e fare un sacco di soldi? In questo articolo vi spieghiamo come fare a promuovere e a vendere la vostra musica!

Sono tantissimi i musicisti, gli artisti e le band che spendono giorni e giorni di lavoro nella produzione di un prodotto musicale di alto livello, per poi trovarsi a trascurare l’aspetto fondamentale della promozione, convinti che le cose andranno bene per gli affari loro e le persone “magicamente” scopriranno la loro musica, senza sforzi…

Sapete cosa? Non è così!

Il Web è il tuo nuovo Produttore!

Internet ha aperto infinite possibilità per promuovere la tua musica e, anche se questo può sembrare difficile da tradursi in pratica, sul web puoi davvero sperimentare e lasciare che la tua creatività vada a ruota libera!

La chiave del successo è quella di conoscere tutte le possibilità del marketing musicale sul web, e poi apportare le modifiche del caso per fare in modo che si adatti al tuo prodotto musicale.

Diamo quindi un’occhiata ad alcune strategie di base che potresti utilizzare per promuovere la tua musica in questo momento:

1. Promuovere la tua musica dal vivo

Con tutto ciò che si muove sempre più verso il digitale, è facile dimenticare il valore dell’interazione persona-persona. In questi giorni, puoi creare una grande musica di qualità, rilasciarla, distribuirla, promuoverla e anche giocare in diretta senza lasciare la tua stanza. Ma solo perché puoi rilasciare qualcosa di interamente online non significa che tu dovresti! Infatti, queste interazioni personali sono ancora estremamente importanti nell’industria musicale.

Lo spettacolo dal vivo è molto più che eseguire. Puoi utilizzare concerti per promuovere la tua musica, un nuovo album o una canzone. Dica ai tuoi fan che sarai premierando una nuova canzone o, se vuoi andare tutto fuori, dica loro che su un programma mostrerai l’intero album nel corso del prossimo mese o due. Il trucco non è quello di dire a chiunque sia lo spettacolo fortunato.

Se i tuoi fan vogliono veramente ascoltare l’album presto, dovranno venire a tutti gli spettacoli. Potresti anche utilizzare concerti per sviluppare una fanbase in nuove città, stati o paesi. Lavorare con una banda locale stabilita e proporre un swap titolo – ti aprirai nella loro città di origine e ti apriranno nella tua città natale. Basta fare in modo di scegliere una band con uno stile musicale simile.

2. Usare i Social Media per promuovere la tua musica ed i tuoi concerti

Tutti usiamo i social media. In questi giorni, se non sei su Facebook, Instagram e Twitter, è quasi come se non esisti. Tuttavia, potresti non utilizzare i social media al suo pieno potenziale per promuovere la tua musica. I social media non sono una piattaforma di marketing diretta. È davvero un catalizzatore per la conversazione e il marketing di parola-bocca. Circa l’80% dei tuoi post dovrebbe essere divertente, conversazionale e interessante, lasciando circa il 20% per il materiale promozionale.

Questo non significa che i messaggi di conversazione non possono essere promozionali! Devi solo imparare a strutturare il contenuto in modi interessanti. Ad esempio, se sei in studio per registrare un nuovo album, prova a spargere piccoli aggiornamenti sui social media. Dite una storia della tua esperienza in studio quel giorno, condividi una foto del mix, o pubblica un breve teaser Vine di una canzone. Se sei in tour, scatta foto presso le sedi o condividi brevi video o foto del pubblico. Queste cose non sono ovviamente promozionali, ma ancora lasciano che i fan sappiano cosa sta succedendo.

3. Promuovere e vendere la tua musica usando il tuo sito web

Il tuo sito web non dovrebbe essere una cosa statica. Dovrebbe sempre adattarsi e cambiare per riflettere nuovi eventi nella tua carriera. Fondamentalmente, desideri che i tuoi fan si fermino dal tuo sito web il più spesso possibile. Più spesso sono sul tuo sito, più probabilità hanno l’acquisto di un album, merch, biglietti o qualsiasi altro prodotto disponibile.

Se stai solo iniziando, probabilmente non hai molti grossi aggiornamenti tranne l’occasionale rilascio di album e tour. L’esecuzione di un blog è una grande soluzione. È abbastanza facile impostare un blog nella home page del tuo sito web. La maggior parte degli strumenti di Web site come Bandzoogle e WordPress hanno funzionalità di blog. Pianificare i post di blog a intervalli regolari come una o due volte alla settimana e condividere qualsiasi cosa pensate che i tuoi fan potrebbero trovare interessanti. Ciò potrebbe essere l’ispirazione dietro alcune canzoni, nuove idee liriche su cui stai lavorando, una storia divertente dell’ultima pratica di band, o addirittura una sconfitta dell’attrezzo che usi.

4. Collaborare con altri Blog di Musica

Se vuoi promuovere la tua musica, non è solo la condivisione delle cose con i tuoi fan. Vogli anche raggiungere i nuovi auditori e convertirli in fan, e i blog di musica sono un ottimo modo per farlo. I blogger sono sempre alla ricerca di contenuti freschi e nuovi, e la cosa cool è che ci sono una serie di blog più piccoli che sono totalmente a portata di mano come artista indie. I blog inoltre tendono ad avere una bella sequenza di nicchia. Ciò significa che se la tua musica viene eseguita su un blog, è garantita per essere vista da persone che già amano il genere!

Fai una ricerca, trova blog che coprono il tuo tipo di musica e invia messaggi di posta elettronica personali ai blogger. Ci sono storie interessanti sul tuo nuovo album, canzone o tour? Avere una storia unica ti aiuterà a distinguersi dalle migliaia di altri musicisti che rilasceranno un album. Rendilo il più semplice possibile per coprire la tua storia e trattarli come persone. Ricordate, è tutto di stabilire una relazione.

5. Collaborare con altri musicisti

La collaborazione è un aspetto spesso trascurato della promozione musicale. È un ottimo modo per far si che la tua musica venga conosciuta da un altro gruppo di musicisti che ne parleranno nel tuo ambiente. Inoltre la collaborazione con band o artisti più popolari è sempre una situazione Win-Win, ovvero tu fornisci del valore ad una band ed in cambio ottieni una parte della loro popolarità; non dimenticate che essere associati a

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Quali sono le fasi della produzione di un Brano Musicale

In questo breve articolo vorremmo riassumere, a titolo didattico, quali sono le fasi con le quali si produce un brano musicale. Nella fase di produzione non si considera propriamente quella della composizione, sebbene molti brani possano essere completamente stravolti in fase di produzione grazie agli interventi delle figure professionali che collaborano con l’artista ed il produttore (se è presente…).

Pre-Produzione

La pre-produzione è la fase che precede l’inizio della registrazione di una traccia musicale. Molti produttori, o altre figure professionali che si affiancano all’artista, cominciano a lavorare in questa fase, che include il processo di rielaborazione della composizione iniziale, del songwriting, e dell’impostazione dell’arrangiamento finale.

Durante la fase di pre-produzione, il produttore e gli altri professionisti presenti in studio ricoprono non solo i ruoli di critici, ma favoriscono lo sviluppo di un brano sulla base dei possibili contributi dei vari musicisti che verranno registrati.

La pre-produzione include lo studio e l’esecuzione del brano insieme alla band, quando presente, per lavorare su eventuali parti che non funzionano ancora bene e valutare la stesura finale del brano (intro, chorus, etc.).

La band, l’artista ed il produttore ascoltano la traccia registrata durante la fase di composizione e vengono proposti dei cambiamenti a livello di arrangiamento o sulla scelta di quali strumenti usare e come registrarli.

In alcuni casi, la pre-produzione può includere la registrazione di alcune tracce guida, in modo da poter consentire di valutare come potrà essere il brano una volta finito e di stabilire di quali musicisti aggiuntivi si potrebbe aver bisogno.

La pre-produzione, negli anni 2000, in particolar modo per i progetti a basso budget, si è completamente spostata dagli studi di registrazione agli ambienti domestici o agli studi a basso budget di artisti e/o produttori, dove è possibile affrontare molte fasi della produzione musicale con elevatissimi livelli di qualità.

Registrazione (“Tracking”)

Per registrazione, o “tracking” si intende il trasporto dell’audio o del MIDI degli strumenti musicali utilizzati in una DAW (“Digital Audio Workstation”) oppure, negli studi che fanno uso di tecnologia analogica, su nastro.

La fase del tracking audio avviene sotto la guida dell’ingegnere del suono che si occupa di generare la “pasta sonora” di base.

I produttori e gli arrangiatori, in questa fase della lavorazione di un brano, stanno al fianco degli gli artisti per valutare che lo spirito del pezzo in produzione sia rispettato, fornendo consigli su come migliorare l’esecuzione.

Il tracking, negli ultimi 10 anni, ha subito molte modifiche dato che le tecnologie digitali hanno semplificato e velocizzato enormemente il lavoro, permettendo di eseguire un tracking in più posti o, addirittura, di fare uso delle registrazioni domestiche portate dagli artisti che raggiungono livelli di qualità molto elevati.

Post-produzione e Mixaggio

Con il termine di post-produzione ci si riferisce, in generale, alla fase di mixaggio e di editing dell’audio registrato. Questa fase segue quella della registrazione e vede l’artista coinvolto insieme al produttore ed ai tecnici del suono per creare la “”magia di un brano.

Solitamente, in fase di post-produzione si riarrangiano le tracce audio e MIDI per la disposizione finale, si editano le tracce per renderle più precise o per correggere difetti di ritmo o di intonazione, e si eliminano i file audio che non sono più necessari.

Successivamente, vengono applicati gli effetti audio per creare il sound desiderato attraverso la DAW (“Digital Audio Workstation”).

In realtà, con le moderne workstation audio basate sui software Logic, Protools, Cubase, e molti altri le fasi della pre-produzione, tracking e post-produzione sfumano abbondantemente le une nelle altre; un brano può essere composto, ad esempio, su Logic nello studio casalingo dell’artista e poi trasportato sulla medesima piattaforma nello studio di registrazione del produttore per la pre-produzione e poi, il medesimo file, spostato ancora nello studio di registrazione e di missaggio dove potranno essere attuate solo poche modifiche.

Ad esempio la batteria acustica o i fiati, richiedono ancora studi di registrazione adeguati, mentre i MIDI files dei synth o degli strumenti digitali, o le registrazioni delle chitarre elettriche, possono benissimo essere affrontati con le strumentazioni di ottima qualità ormai a disposizione di tutti i budget.

Finalizzazione e Mastering

L’ultima fase della produzione di un brano è quella del mastering, ovvero l’adattamento delle frequenze, la compressione e la correzione dei diversi livelli di volume presenti all’interno di una traccia per renderla armoniosa nell’ascolto e ben riproducibile sui diversi diffusori audio che gli ascoltatori possono utilizzare (autoradio, smartphone, vinile, radio, televisione, cinema) mantenendo l’ascolto il più possibile vicino a quelli che l’artista ed il produttore hanno stabilito nelle fasi precedenti di produzione.

Si può pensare al mastering come ad una fase nella quale “levigare” il suono finale del nostro prodotto mediante effetti di compressione, equalizzazione, limiter, modifiche del panorama stereo ed altri.

Le operazioni fatte durante il mastering sono:

Adeguare le variazioni grossolane dei diversi livelli di volume presenti nella traccia ed eventuali asimmetrie nel panorama stereo.
Modificare la velocità definitiva di un brano per renderla più adeguata allo spirito del pezzo, ovvero modificare i bpm che in fase di ascolto finale potrebbero essere lievemente troppo lenti o troppo veloci.
Editare piccoli difetti, o rumori indesiderati.
Ridurre eventuali crepitii o fruscii di fondo connessi alle registrazioni analogiche presenti nel brano.
Adeguare la gamma dinamica per rendere il brano più o meno potente sul piano della compressione.
Modificare l’immagine stereofonica per renderla più o meno ampia.
Aggiungere “ambience”, ovvero riverbero simulando l’ascolto in un ambiente ideale per il prezzo.
Impostare le dissolvenze all’inizio ed alla fine del brano.
Applicare eventuale dithering ovvero un processo con il quale viene adeguato il sample rate e la profondità in bit del nostro brano quando viene realizzato con risoluzioni diverse dallo standard del 44.1 e 16bit.

Dopo questa fase finale di mastering le tracce saranno alla loro versione definitiva, non verranno più modificate e potranno essere masterizzate su CD, Vinile oppure caricate nei vari store online.

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Di quali parti è costituito un brano musicale?

La composizione di un brano musicale è la fase durante la quale l’artista trova ed assembla tra loro le varie idee che stanno alla base di una traccia.

Tendenzialmente durante la composizione di un brano musicale si dovranno definire: il genere musicale, melodia, armonia, ritmo e timbriche del suono.

Quali sono le parti con le quali si costruisce un brano musicale?

La sequenza con la quale si assemblano le diverse parti di un brano può variare da canzone a canzone, anche in base al genere musicale, anche se è normale che alcune parti si ripetano anche più di una volta. La struttura tipica di una canzone, sia cantata che strumentale, potrebbe essere:

Intro > Verse > I° Chorus > Verse > II° Chorus > Bridge > Chorus (Finale) > Outro

Il “Chorus” o “Ritornello” è la parte più importante della tua canzone. È quella parte di un brano che in genere ti ricordi per prima e dovrebbe contenere il messaggio centrale della canzone, o il tema di un brano strumentale,che può ripetersi più di una volta. Il “Verse” o “Strofa” è quella porzione del brano musicale che svolge la narrazione e che presenta i vari personaggi o elementi musicali. Mentre nel ritornello si tende a ribadire lo stesso concetto più e più volte, nella strofa si fa andare avanti la canzone e si aggiungono idee musicali o di testo.

Il “Bridge”, che ricorre solitamente una sola volta in una traccia musicale, è un vero “ponte” che serve ad arricchire il movimento musicale da una sezione all’altra di un brano, conducendo la canzone da un Verse al Chorus o da un Chorus ad un’altro.

L’Intro si trova all’inizio del brano, ed è una sorta di presentazione del brano stesso, solitamente solo musicale, nel quale si mostrano alcuni elementi della canzone che poi potranno ritrovarsi in seguito. All’opposto dell’Intro, abbiamo il finale o coda o Outro che ha l’obiettivo di non far finire troppo bruscamente un brano riportando all’attenzione dell’ascoltatore gli elementi musicali di forza di una canzone; come l’intro anche l’outro non è indispensabile.

Ovviamente questa rappresentazione è assolutamente schematica e non può minimamente imbrigliare la libertà artistica di un artista in uno scenario prefissato. D’altra parte, se si vuole iniziare ad avvicinarsi alla composizione di canzoni o brani pop e commerciali, questo schema di composizione può essere molto utile.

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Come scegliere il nome giusto di una Band o di un Artista

La scelta del nome del nostro gruppo o di noi stessi come artisti non è una cosa ne facile, ne scontata: il nome del nostro progetto musicale sarà inevitabilmente l’avamposto del nostro brand sia su internet che nel mondo reale.

Quando parlo di scelta del nome di un progetto musicale (artista singolo o band) mi riferisco, ovviamente, alla coppia Nome+Logo, dato che in una socità super-visiva come la nostra ambedue questi aspetti del nostro brand musicale contano parecchio. Quindi quando vi parlerò del Nome voi dovete immaginare che si stia parlando dell’accoppiata Nome+Logo (anche se in alcuni casi le due cose coincidono, ovvero il nome è stato ideato per essere anche un logo, vedi AC/DC, Iron Maiden, etc.).

Le 4 caratteristiche del nome perfetto per una band o per un’artista

Sono essenzialmente 4 le caratteristiche fondamentali che il perfetto nome per un progetto musicale deve avere:

Deve rispecchiare noi stessi ed il contenuto della nostra proposta musicale.
Deve “suonare” bene.
Deve essere in grado di essere trasportabile sul web con facilità.
Deve essere inconfondibile.

Nonostante la scelta di un nome non possa essere completamente sottomessa ad una formula magica per essere fatta, andiamo ad analizziamo adesso ognuno di questi punti per riuscire a capire quali caratteristiche deve avere il nome di un artista.

(1) Il nome deve rispecchiare il nostro progetto musicale.

Il primo punto è solitamente quello da cui partono tutti gli artisti: quale parola, associazione di parole o caratteri ci può rappresentare di più come artisti? Varie sono le soluzioni.

La soluzione più ovvia può essere quella di utilizzare il nome dell’artista stesso se ci si vuole lanciare come artisti solisti, o anche quando un individuo è l’elemento che catalizza l’attenzione o il membro fondatore di una band il cui organico non è fisso (ad esempio la band jazz-fusion “Pat Metheny Group”).

In realtà il nome proprio dell’artista è una scelta quasi sempre giusta e poco discutibile nel caso di un artista singolo, spesso non così efficace nel caso di una band a meno che non ci sia un risvolto surreale, ironico (ad esempio la band demenziale “Elio e le storie tese”).

Il punto su cui batteremo spesso in questo articolo è: il nome che scelgo è inconfondibile? Se mi chiamo Mario Rossi, potrebbe non essere una buona idea usarlo come nome d’arte per le ragioni che discuteremo dopo.

Nel caso decidiamo di usare un nome proprio di persona o un soprannome ma non reale, il così detto Nome d’Arte Puro, bisognerà valutare con attenzione quale sistema culturale di riferimento usare (italia, inghilterra/usa, europa, cina, africa…) e se il nome scelto ha un significato, quanto meno per noi. Le possibilità sono tantissime e la scelta deve essere ben ponderata.

Rispetto alla scelta di un nome non proprio di persona ma immaginario o inusuale, tutte le scelte possono essere buone e si possono usare alcuni stratagemmi. Ad esempio si possono storpiare parole reali (ad esempio “Metallica”), associare o fondere parole tra loro (ad esempio la band rock-funk “Red Hot Chili Pepper” oppure il quartetto fusion italiano anni ’90 “Lingomania”), usare sigle che abbiano un significato simbolico (“AC/DC”, il gruppo heavy metal), usare un’espressione che indichi una qualità della musica che suoniamo (ad esempio “Nine Inch Nails” rimanda subito al concetto di aggressività) oppure inventarsi di sana pianta una parola che ci suona bene (ad esempio “RupZo”, il nome della band che lavora a questo sito).

La cosa importante è che il nome possa rispecchiare l’anima del progetto musicale. Ad esempio parlando del nome “RupZo“, la scelta è stata fatta pensando ad un termine assolutamente originale, un pochino stridente e che potesse essere il nome proprio di un essere immaginario sfuggente, mutevole e poco socievole: la musica che produciamo noi tenta di avere queste caratteristiche.

(2) Il nome di una band o di un artista deve “suonare bene“.

Senza dubbio è così: un nome per farsi ricordare deve avere una sua musicalità, un suo carattere ed un suo ritmo.

Sia che si tratti di un nome di persona, di un soprannome o di un nome di fantasia deve suonare bene in modo tale da essere ricordato subito. E’ vero che se io chiamo una band “S4-92 & The Tragic Rotor” sarò sicuro di non avere omonimi e di stupire, per lo meno all’inizio, il mio potenziale pubblico ma ricordate sempre che il successo non deriva dal fare colpo per pochi secondi ma dal farsi ricordare a lungo.

Allo stesso modo il nome “Mario Rossi” sarà pure il mio vero nome ma non suona bene nel senso che non è inconfondibile e inevitabilmente associabile al mio progetto musicale. Alcuni nomi di artisti famosi ci possono suggerire come fare uso del nome proprio di un artista trasformandolo poi, in parte, per renderlo più musicale ed originale (vedi “Katie Perry” nome d’arte di Katie Elizabeth Hudson).

Rispetto alla ritmicità ed al reale suono di un nome dovrete fare riferiemtno alla vostra sensibilità: siete artisti, no?! 🙂

(3) Il nome deve essere in grado di essere trasportabile sul web con facilità.

Questo è un’aspetto tutt’altro che secondario nell’era della musica digitale. La domanda che dovrete farvi è: come farò a rendere rintracciabile sul web il brand (nome+logo) del mio progetto musicale?

Se un nome non è facilmente proiettabile sul web, in maniera inconfondibile, vale la pensa pensarci ancora un po su. Che cosa intendo? Ve lo spiego…

Ad esempio l’indirizzo web di www.vostronome.com è disponibile? La pagina facebook o l’indirizzo Instagram o Twitter @vostronome è libero? Alcuni marketers che lavorano sul web spesso scelgono il nome del loro nuovo progetto o della loro nuova app andando prima a controllare se l’identità commerciale su cui investiranno è completamente libera e pronta per essere acquistata da loro.

Inoltre se avrete la possibilità di essere trovati in maniera facile e rapida una volta che verrete cercati su google sarà molto ma molto meglio. Ad esempio se volete chiamare la vostra band “Rosso Ferrari” vi sfido a riuscire a farvi trovare da una persona che vi cerca su google: sino a che non sarete una presenza molto ma molto forte nel mondo della musica finirete in fondo ad innumerevoli pagine di risultati di ricerca e su ogni social network vi perderete tra officine, fan club di automobili e industrie che producono vernici.

Essere trovati sul web è fondamentale!

(4) Il nome del mio progetto musicale deve essere inconfondibile.

Ricordate sempre che nel momento in cui fondate una band, volete lanciarvi come artista o producete una qualche opera musicale non siete nessuno, siete solo una goccia in un mare di musica la fuori sul web.

Il fatto che il nome della vostra band o di voi stessi, come artista, sia possibile attribuirlo solo ed esclusivamente al vostro progetto musicale è importante sia online che offline, vista la moltitudine di progetti che si sono la fuori. Evitate quindi nomi banali o poco caratterizzati (ad esempio, estremizzando, nomi come “Cielo Blu” o “Prati verdi” o cose simili…).

Ancora meglio sarà se l’accoppiata nome+logo emerga in maniera forte ma non troppo estrosa o bizzarra da risultare artificiosa o di difficile memorizzazione.

Una regola fondamentale da rispettare, in termini di estetica, è quella che il nome di una band o di un artista più è corto e più sarà inconfondibile e di facile memorizzazione, anche se potrebbe risultare più difficile da trasportare sul web poichè moltissimi nomi più corti di 6 o 7 caratteri sono disponibili come indirizzi web o come nomi sui social network.

La scelta di un nome in una band è sempre una scelta difficile perché non è solo un optional o una variabile poco influente: in realtà il nome che sceglierete risulterà un elemento che potrà influenzare addirittura le vostre scelte compositive e di strategia di vendite nel mondo della musica online ed offline.

Infine un consiglio: provate a testare i nomi che sono candidati a definire il vostro progetto musicale tramite un piccolo sondaggio su facebook, potreste stupirvi di quante persone vi daranno consigli pertinenti ed originali.

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Che cos’è il codice ISRC? Come fare ad ottenere un codice ISRC?

Che cos’è il codice ISRC?

Il codice ISRC (acronimo inglese che significa “International Standard Recording Code”) fornisce il modo per garantire l’unicità delle registrazioni audio e video nel campo della commercializzazione della musica, identificandole in maniera univoca a livello internazionale.

Di fatto il codice ISRC è composto da 12 caratteri alfanumerici ed è diviso in quattro parti: IT 01A 15 00001

Le prime due lettere (IT) identificano il paese d’origine del produttore delle registrazioni, le 3 cifre seguenti (01A) sono quelle che identificano il produttore stesso delle registrazioni, i due numeri che seguono (15) rappresentano l’anno di assegnazione del codice e le ultime 5 cifre (00001) sono un numero sequenziale che andrà riferito alle varie registrazioni direttamente dal produttore delle stesse.

Il sistema dei codici ISRC è stato creato per qualunque entità, artista, etichetta o produttore che possieda o crei delle registrazioni audio o video, indipendentemente dal fatto che aderisca ad una associazione di settore, ad esempio SIAE o IFPI.

In alcuni casi la richiesta di un codice ISRC è inutile dato che può essere assegnato gratis ed automaticamente dai molti servizi online che si occupano di distribuire la musica sulle piattaforme digitali, come ad esempio TuneCore, CD Baby, Reverb Nation, etc.

Dove e come si ottiene un codice ISRC? Quanto costa un ISRC?

Un artista indipendente in Italia può richiedere il codice ISRC direttamente dal sito FIMI, compilando un modulo on-line.

Una volta compilato il modulo, bisognerà attendere la conferma della ricezione della nostra richiesta da parte di FIMI attraverso la sua email ufficiale isrc@fimi.it.

Visto che il codice ISRC ha un costo “una tantum”, nella email verranno fornite le istruzioni per procedere al relativo pagamento, ovvero Codice Audio € 55,00 + iva e Codice Audio € 55,00 + iva che si potranno pagare tramite PayPal o bonifico bancario. La FIMI, una volta che avrà constatato il pagamento FIMI invierà il codice richiesto, via e-mail.

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